jueves, 5 de diciembre de 2013

Vacío




SILENCIO Y VACÍO



Mar Sueiras Prieto




Puede que sea el silencio, y la metáfora de la inevitable fuga del tiempo y del espacio, lo que mejor pude definir la causalidad y casualidad de la elección de Camille Claudel. Una elección que la llevó a encontrarse con la nada -o el absoluto vacío- en la que encerró su obra y su propia vida, ambas pertrechadas tras un muro que la aisló a pesar de las marcas y arañazos con que dejó su huella, y el silencio en el que se sumergieron sus obras -en la misma medida que también ese mismo vacío fue su destino- enajenada de sí misma.

La causa de esta reflexión es un artículo de opinión que sobre la película "Camille Claudel 1915" ha escrito Rosa Montero -edición del 24 de Noviembre de "El País Semanal"-. Lo he leído con interés y una cierta curiosidad, tal vez porque la primera es una creadora pionera para el grupo de las mujeres de las vanguardias históricas -además de precursora y figura emblemática de las mujeres  que conforman este blog-  y la segunda, y autora del artículo que argumenta esta contracrítica, una periodista y escritora de sobrado prestigio.
 
Sin embargo el comentario realizado sobre la película, y la inclusión inevitable que en esta se pueda hacer de determinados aspectos biográficos de la escultora, me ha sabido a poco y me ha dejado el regusto amargo de la idea tan manoseada del tópico, en el más estricto sentido del término, que se acomoda en aquellos aspectos más evidentes sin ahondar en otras cuestiones más interesantes, inmanentes en la figura de la escultora -que así mismo puedan haber repercutido en su obra- y que probablemente hayan sido la causa de su deriva vital. La evidencia que en este artículo se hace de los comentarios sobre Camille Claudel no transciende, en ningún momento, más allá de los principales rasgos biográficos, ni nos aclaran ninguna cuestión técnica o estilística sobre el film que motiva esta pseudocrítica, de manera que, como consecuencia de todo ello, esta termina empobreciéndose y convirtiéndose en un pastiche sentimental cargado de buenas intenciones.

Se ha obviado la posible acepción del carácter alegórico implícito en el marcado impulso vital de la creadora francesa, que consideraciones a parte, la ha convertido en un involuntario precedente, y que se traduce en una pulsión deconstructiva inmanente en la percepción de su propia obra - además de una inevitable condición efímera de la misma- y el impulso vital de Camille Claudel estigmatizado por un tiempo histórico y un espacio geográfico. Su misma vida puede leerse como una parábola de su propia obra; una fábula sobre la creadora y su contexto; sobre su orografía personal y los diferentes avatares que la conformaron. Una geografía en la que los cartógrafos están condenados a extraviarse ya que la misma Camille hacía y deshacía ese mapa con cada obra, retornando sobre sus pasos, recuperando caminos trazados, construyendo con su obra y su misma vida un palimpsesto, un mapa ambiguo en el que todos aquellos que no son amantes del riesgo temen adentrarse.

De esta manera se ha perdido la posibilidad de construir una cartografía del presente mediante una sabia lectura de las líneas del pasado; una representación poética y silenciosa de otras preocupaciones, las propias de Camille Claudel y, obviamente, las de la mayoría de las mujeres coetáneas a ella; del tiempo y de sus espacios habituales en los que parece que -por lo poco que transciende del limitado artículo- no se ha sabido transitar y sobre los que solo se ha trazado un superficial y raquítico mapa.

Sin duda, en el texto de Rosa Montero echamos en falta los posibles fragmentos de ese otro paisaje, de ese mapa tan real como poético, más allá del ruido o de los gestos.
 


http://elpais.com/elpais/2013/11/22/eps/1385135922_781359.html

Sobre Papel


 "VER, CONOCER, QUERER"


Mar Sueiras Prieto
Fotografías de José Miguel Montero.

"La historia del arte moderno español (y también el internacional) se puede trazar solo con lo aquí presente". (Estrella de Diego)





Obras de Sonia Delaunay
 

El papel, como espacio y soporte en el que todo artista alguna vez se recrea, establece el discurso o hilo conductor que señala las características comunes de la fascinante colección "Sobre papel" que, coincidiendo con su tercer aniversario, el Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de Cáceres expone esta temporada.
Un total de 285 obras expuestas, seleccionadas por la comisaria de la exposición, Estrella de Diego, de una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Europa. Fue la propia Helga de Alvear quien declaró "Siempre digo que la colección tiene unas 3000 piezas, pero después de lo que compro en cada feria ese número ha tenido que variar"; o "no compro a mis colegas españoles, como ellos no me compran a mí. La razón: el IVA de este país, que nos va a hundir. ARCO 2014 ya está herido de muerte"....

Obra de Haegue Yang

 
En la crítica que sobre esta exposición se publicó en el ABC cultural del 29 de Junio de este mismo año, Estrella de Diego comentaba que había querido centrarse en la mirada de Helga "una mirada que se asienta por un lado en Juana Mordó -que fue quien la enseñó a amar lo español- y, por otro, en su origen centroeuropeo (que anula la pátina anglosajona que suelen tener otras colecciones). Y una mirada que se posa con más detenimiento en algunos autores (Julio González, Miró, Guerrero, Mompó, Elena Asíns -"cuando empecé a comprarla no la conocía nadie"-M. Dzama, Matta.Clarck...)para los que la comisaria ha habilitado salas especiales".

Una suerte de crisol en el que cada artista es irreemplazable y verdadero. Así, desde Karin Sander, Louise Nevelson, pasando por las primeras vanguardias (Duchamp, Max Ernst...) para llegar a Tápies, Saura, Palazuelo, Dubuffet, Appel, Bacon,Gordillo, Esther Ferrer hasta llegar a la actualidad con Croft, Lombardi, Aballí, la magnífica serie de Richard Long, o los últimos descubrimientos de la coleccionista: Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, hasta la coreana Haegue Yang y sus delicados dibujos realizados con el adhesivo de los sobres...... Una mirada global en la que se concede gran importancia a un tempo -que marca la pauta y lectura del recorrido- y a un espacio reflejado en el exquisito cuidado que se ha dado a la instalación de las obras en papel y de cómo, en algunos casos, se entienden algunas de estas como objetos. 

 

Sonia Delaunay -pochoir sobre papel-.
Sonia Delaunay -pochoir sobre papel-.



















Para sorprendente coincidencia, en una de las salas, al lado de una obra de Calder, una magnífica colección de Sonia Delaunay -pochoir sobre papel ¡y qué calidad de papel!-  en la que apreciar la elegante y característica sincronía y combinación de ritmos, formas y colores - su título es "Ritmos Colores"- que la autora recrea con acertada y sinestésica intuición y que son  representativos del orfismo, corriente a la que perteneció esta creadora. Espacio y tiempo que se configuran en la fijación de su rico y vibrante sentido del color y que aplicó al diseño de moda, de tejidos o de libros; trabajos a los que se vio abocada tras una dura crisis económica . Estas obras, pertenecientes a la colección de Helga de Alvear, forman parte de un libro de trabajos de Sonia Delaunay, libro en el que se puede apreciar sus característicos contrastes simultáneos, su delicado sentido de la composición, la limpieza vibrante de sus colores saturados....  Cómo reza el dicho alemán y parafraseando a Helga, "Ver, conocer, querer".
 
Sonia Delaunay -pochoir sobre papel-.





 
Sonia Delaunay -pochoir sobre papel-.







lunes, 2 de diciembre de 2013

HILMA AF KLINT EN EL MPM


Nos hemos puesto en contacto con el Museo Picasso de Málaga y nos ha facilitado unas imágenes de la exposición que se está realizando de Hilma af Klint y que acontinuación os presentamos.


Hilma af Klint (1862-1944)
Grupo I, nº 17. Caos primigenio, 1906-1907
Óleo sobre lienzo
52,5 × 37 cm
© Cortesía Stiftelsen Hilma af Klints Verk 2013.
Foto: Albin Dahlström / Moderna Museet, Suecia
© Hilma Af Klint, VEGAP, Málaga, 2013.

Hilma af Klint (1862-1944)
Grupo IV, nº 3. Los diez mayores, Juventud, 1907
Témpera sobre papel montado sobre lienzo
321 x 240 cm
© Cortesía Stiftelsen Hilma af Klints Verk 2013.
Foto: Albin Dahlström / Moderna Museet, Suecia
© Hilma Af Klint, VEGAP, Málaga, 2013.

Las Cinco
Sin título, 1908
Pastel seco sobre papel
53,6 x 63,2 cm
© Cortesía Stiftelsen Hilma af Klints Verk 2013.
Foto: Albin Dahlström / Moderna Museet, Suecia
© Hilma Af Klint, VEGAP, Málaga, 2013

Tambien os dejamos el enlace de una página que hace una critica de esta exposición: http://www.arsoperandi.com/2013/11/la-abstraccion-como-catarsis-hilma-af.html


lunes, 25 de noviembre de 2013

Georgia O'Keeffe



(Sun Prairie, 1887 - San Vicente de Santa Fe, 1986)
Georgia O’Keeffe fue una de las máximas representantes del arte moderno que surgió en Estados Unidos en torno a la figura del fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz. A lo largo de su vida desarrolló un estilo personal que público y crítica identificaron como la expresión del nuevo arte indígena americano
En el Art Student League de Nueva York aprendió con gran destreza y rapidez los principios del realismo imitativo.
Decidida a dar expresión visual a sus emociones, hizo abstracciones basadas en motivos naturales, durante los años 1915 y 1916. Éstas impresionaron a Stieglitz, que organizó su primera exposición individual en 1917; Se unió en Nueva York al grupo de artistas de vanguardia que se reunían alrededor de la galería 291.
O´Keeffe trata los temas de forma figurativa, la severidad de líneas, el colorido claro y transparente y los audaces esquemas competitivos producen diseños abstractos. 
Gran número de sus obras poseen un efecto abstracto, dentro de la temática floral como en Iris negro (1926, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en donde los detalles de la flor se han agrandado hasta el punto de que ésta resulta irreconocible y sorprende.De la producción artística de O'Keefe podemos decir que ya en los años veinte pintaba gigantescas flores como si fueran vistas en close-up o primer plano, las cuales constituyen su trabajo más reconocido y a las que les debe su posición como una de las artistas más importantes y exitosas de Estados Unidos. . Poco después comenzó una serie de paisajes urbanos que tenían como protagonista a la ciudad de Nueva York y en 1931 realizó su primera pintura de huesos
Su primera retrospectiva fue organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York en 1970. Seis meses después, se quedó parcialmente ciega esto no fue un impedimento para esta mujer de temple inquebrantable y empezó a trabajar tridimensionalmente en arcilla, hasta que su salud empezó a fallar gravemente en 1984. 
 

Georgia O'keeffe ha obtenido la fama como pintora de la sexualidad femenina. Invitando al espectador a mirar las texturas interiores y suaves de los pétalos; y las formas queden entre 
boca y vagina, lengua y clítoris, labios de la boca y labios de la vulva; 
esta lectura es consistente  con la imagen de la flor, que es el órgano reproductor de la flor: es un símbolo de lo femenino



Georgia O'keeffe en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Es este apartado tal vez el que realmente más nos pueda acercar a esta gran artista, ya que la colección permanente museo Thyssen-Bornemisza, Madrid  recoge un total de 5 obras. Aunque nos pueda parecer  un número muy reducido de obras si las comparamos con el total de la artista, sin embargo nos representa esos momentos claves en el  desarrollo de esta pintora.
Desde el principio de su carrera desarrolló un tipo de abstracción muy personal, basada en motivos naturales, que a veces se ha calificado como abstracción biomórfica. Su habilidad para representar imágenes inolvidables de las sensaciones provocadas por la contemplación de la naturaleza la ha convertido en una referencia imprescindible de la modernidad en Norteamérica.


Abstracción. Resplandor I
1921
Óleo sobre lienzo.
71 x 61 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 695 (1973.5)
Se enmarca dentro de sus primeras composiciones abstractas. Está pintada con su inconfundible estilo de pinceladas sutiles, casi invisibles, con tonos muy neutros, con la excepción de las bandas roja y amarilla que atraviesan la composición.

Calle de Nueva York con luna
1925
Óleo sobre lienzo.
122 x 77 cm
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza
Nº INV. (CTB.1981.76)


"No se puede pintar Nueva York como es, sino tal y como uno lo siente". Estas palabras de Georgia O'Keeffe reflejan la pasión de esta pintora norteamericana por la ciudad de los rascacielos.
Las simplificadas formas y el forzado punto de vista de la composición conectan esta obra con el precisionismo y la fotografía (. En aquellos años de optimismo, el rascacielos solía simbolizar la modernidad y el progreso ) y se suman al personal simbolismo que caracteriza su estilo maduro.
O'Keeffe. siguió explorando el tema en posteriores paisajes urbanos, tales comoHotel Shelton, Nueva York nº. 1, 1926; Noche en la ciudad, 1926; El Hotel Shelton bajo el sol, 1926; El edificio Radiator de noche, Nueva York, 1927; y Noche en Nueva York, 1929. Se diría que para Nueva York prefería el misterio de las escenas nocturnas a la escrutadora luz bajo la que le gustaba pintar sus flores y los temas de arquitectura rural. A partir de 1929, después de que O'Keeffe demostrara que no hacía falta ser hombre para representar eficazmente las estructuras urbanas, pasó a interesarse por otros temas


Concha y viejo tablón de madera V

1926
Óleo sobre lienzo.
76,2 x 46 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 698 (1980.10)


La serie es una representación bastante realista del tablón y de la concha. La quinta, perteneciente al Museo Thyssen-Bornemisza, es similar a la sexta «pero menos abstracta», según se describe en las anotaciones encontradas en los archivos de la pintora. En todas estas composiciones, O’Keeffe muestra su constante preocupación por tratar de reconciliar las tensiones entre realismo y abstracción y la progresión de la serie estaba precisamente encaminada en ir abstrayendo poco a poco las formas de la naturaleza.

Desde las llanuras II
1954
Óleo sobre lienzo.
122 x 183 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 696 (1977.36)



Desde las llanuras II, fechada en 1954, es la segunda versión de una pintura realizada en 1919, treinta y cinco años antes, en Amarillo, Texas. 
En esta segunda interpretación, la amplitud de las llanuras de Texas se hace todavía más sobrecogedora, incrementada por la forma horizontal del lienzo y por los colores ardientes de la puesta de sol. En una carta a la galerista Edith Halpert le comentaba sobre esta pintura: «El color es simplemente el color puro que sale del tubo —de rojo y naranja a amarillo limón—Me. impresiona tanto que estoy bastante abatida. No sé adónde me llevará».
La pintora ha aumentado la simplificación y abstracción de la imagen, para ofrecernos un equivalente visual de sus recuerdos. «Mi primer recuerdo es la luminosidad de la luz —luz por todas partes—», manifestó en una ocasión Georgia O’Keeffe.



Lirio blanco n.º 7
1957
Óleo sobre lienzo.
102 x 76,2 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 697 (1979.36)




Los primeros planos de flores fueron un tema frecuente, Casi siempre interpretadas con un significado sexual.  Publicó en el catálogo de su exposición en la galería neoyorquina An American Place, en 1939, en el que declaraba: «Bien, he conseguido que mires lo que yo he visto y cuando te tomas el tiempo de ver realmente mi flor adjudicas todas tus propias asociaciones sobre las flores a mi flor y escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo».



La creación para Georgia O'keeffe

La pintora Georgia O'keeffe ,dice acerca del proceso de creación: “Yo tengo cosas en la cabeza que nada tienen que ver con lo que me han enseñado, formas e ideas que me son tan familiares, que responden tanto a mi forma de vivir y de pensar, que no se me ha ocurrido plasmarlas. Me decidí a empezar de nuevo, a olvidar lo que me habían enseñado y a aceptar como cierta mi propia visión de las cosas. Estaba sola, totalmente libre, solo trabajaba para mí misma, era todavía desconocida y no necesitaba agradar a nadie, solo a mí misma.”

“Creo que una forma verdaderamente viva resulta necesariamente del esfuerzo de un solo individuo por representar lo vivo en un arriesgado viaje del espíritu a lo desconocido en el que ha vivido y sentido algo que no ha entendido, y de esta experiencia surge el deseo de dar a conocer lo desconocido…..de explicar algo, lo que se siente, pero no se puede comprender totalmente……Creo que esto, en cierto modo, está claro para cualquiera en el momento de nacer, pero que es destruido en la mayoría de las personas.”

Georgia O'keeffe



PASADO Y PRESENTE


Exposiciones celebradas


GEORGIA O´KEEFFE: NATURALEZAS ÍNTIMAS


8 febrero - 2 junio 2002 


Ésta era la primera muestra extensa del arte de O´Keeffe que se ofrecía en España y presentó una selección de 34 óleos realizados entre 1919 y 1972. Tres temas fundamentales aglutinaba la exposición: Paisajes, Flores y Hojas yAbstracciones inspiradas en motivos de la naturaleza.




El estilo de vida americano de Edward Hopper a Georgia O'Keefe, según el MOMA

·         El MOMA muestra el arte moderno americano de la primera mitad del S.XX

·         Del 17 de agosto al 26 de enero se verán 100 obras de 50 artistas

·         Se verán obras de Hopper, Sheeler, Steiner y O'Keefe, entre otros